何永昌 《孤岛之一》 绢本设色 30cm×50cm 2023年

何永昌 《孤岛之二》 绢本设色 30cm×50cm 2023年

何永昌 《孤岛之三》 绢本水墨 40cm×50cm 2023年

何永昌 《冰山系列之一》 绢本水墨 30cm×60cm 2023年

何永昌 《冰山系列之二》 绢本水墨 30cm×60cm 2023年

何永昌 《冰山系列之三》 绢本水墨 30cm×60cm 2023年

何永昌 《冰山系列之四》 绢本水墨 30cm×60cm 2023年

齐白石 《松寿图》

何永昌 《怀来写生图卷》 纸本设色 30cm×600cm 2023年

何永昌 《零寻》 绢本水墨50cm×600cm 2017年

　　齐白石《松寿图》绘于1928年春，现藏于北京画院，竖轴，纵177厘米，横77.5厘米，纸本水墨，是白石老人艺术成熟期的代表作。
　　画面左侧自下而上生长出一根雄健挺拔的松干，自上而下、从左往右又生发出数枝苍劲有力的松枝，枝梢长满状如马尾的松针，些许松果点缀其间，颇为生动。作者以大笔蘸淡墨，笔尖些许浓墨，侧锋皴写出枯湿浓淡相间的劲挺松干，有沉凝苍劲之势。绘松枝时笔中水分稍枯，墨色略重，如篆籀之用笔，时疾时涩，有坚毅不拔之态。松针则用长锋羊毫，铁线篆法，笔笔圆转，笔笔劲挺，笔笔富有弹性，千笔万笔，反复勾勒，繁而不乱，线虽细，却硬如金刚杵，可见笔力之深厚。松干刻画粗率、洒逸，与表现松针的细腻形成对比。侧锋的粗线条主干、中锋的苍劲细枝和提锋细笔勾勒的青翠松针，组合在一起形成了鲜明的对比，产生了丰富的变化。又以较黑的松果点缀其间，生动而有趣，耐人寻味。左侧以篆书题“松寿”二字并落款，配上醒目的红色印章，格外有韵味。白石老人的松树，从造型到笔墨，都透着挺拔坚韧的性格。画面有凝重又活泼的感觉，散发着宁静亲切的田园诗意，这一切，都源自画家诗意的生命感受。读白石老人《松寿图》，恍惚间觉得松风拂来，若闻一片涛声，回味无穷。
　　赵孟頫在《兰亭十三跋》里写道：“书法以用笔为上，而结字亦需用功，盖结字因时相传，用笔千古不易”。这千古不变的用笔之法，不仅仅体现在书法上，在绘画里也长久不变。在这幅《松寿图》中，也处处遵循着这不变的用笔之法。这是一种中锋用笔，行笔时捻管转动毛笔笔锋，使笔锋在点画中行，不露锋，力求线条圆转且富有弹性。这是一种笔里饱含力量的用笔，笔道里有力量，线条才结实，才会劲道，才更有穿透力。笔入纸深，沉得下去，画中形象才能上得来，浮现的内容才会更加动人。同时，这也是一种能“收得住”的力量，在收笔时，笔笔要有“回”的意思，于字里行间营造一种“收”的势，蓄势待发，“将发未发，将动未动”，产生一种张力。只有这样，笔笔收得住，气才能聚起来，才能把松树的“意”写出来。那种值得观者仔细欣赏体会的“味外之味”才更加丰富和感人。每一处笔墨在表现具体物象的同时，都也在传达着自身的形式美感，这种美感多来源于笔墨，更纯粹地说，来源于“用笔”。在每一笔的背后，都有一种精神力量作为支撑，生命力才如此旺盛。不仅每一笔有精神、有生命力，整张画也处处散发着勃勃生机，可以看出作画者即白石老人自己的精神状态，看出他对水墨丹青的热爱、对自然的热爱和对生活的热爱。
　　古人常说“文人画是以书法为灵魂的”，文人画技巧训练十分强调书法在前。张式说：“学画又当先学书，未有不能书字而能书画者”，可见书法对于绘画的重要性。齐白石一生不断练习书法，长期研究篆书，并将其作为自己书法艺术的重要养分，进而融入进自己的绘画艺术之中。通过长时间的书法练习，尤其是篆书练习，他的笔里有很强的“金石气”，这种用笔的力量内化在画面的每一笔当中，笔笔结实而有筋骨。汉·蔡邕《用笔法》说：多力丰筋者圣,无力无筋者病。用笔需丰筋多力，忌无力无筋。从枝干的用笔和松针的用笔中都可以看出他用线的力道很足，力透纸背，同时又富有节奏感和韵律感。于不同的形象中贯穿不变的用笔法则，形成繁而不乱、浓密而不重复的笔墨形态。当我们近距离欣赏画面的一笔一画时，也容易为之陶醉。看线条和笔画的同时，可以体会作者作画时笔是如何在纸上行走的，有圆转，有提按，有快慢，有粗细，有深浅浓淡等等。对于书法而言，任何一个笔画，既是这个字的局部，是组成字的一部分，同时也可以是一个独立的审美对象，有独立的审美价值。同样，国画中的每一笔，既是组成画面物象的一部分，孤立来看也应该有特殊的韵律形态，有独特的形式美感，具有独立的审美价值。欣赏者在体会画面所传达意境的同时，也会聚焦于画面的每一笔每一画，陶醉于组成物象的一笔一画。笔画组合在一起，是物象，拆开来看，是笔墨，是点画，是一根根线条，或长或短，或粗或细，或浓或淡，每一处都体现和彰显着中国画独有的审美意象。
　　中国画重笔墨情趣，逸笔草草，别有风韵。这种特殊的美感，多从“写”中得来。以意“写”之，逸笔草草，不求形似，让人陶醉，令人神往。画常常是“写”出来而不是“画”出来的，写意而非写实。重在通过“写意”，体现中国画独有的韵味而非所绘物体的外形，不拘泥于形，不被形所困。细观此处的松针，吸引我们的不仅仅是那飘逸的外形，更多的是背后的用笔，是书写的感觉，笔笔间透露着书卷气。离形求意，不求形似，而求神韵。竭尽全力将观者的注意力引入精神领域，使观者多去联想、去发散、去体味。观些许松枝，联想整片松林，感受微风轻轻拂来，甚至体会大自然的无穷乐趣，领略天地间无穷无尽的美，才是中国画所不懈追求的方向。东坡云：“作诗必此诗，定非知诗人”。作诗如此，作画亦然。好的国画作品也不仅仅是以描绘物象为目标，不是追求对所表现物象表象的追摹与刻画，而是力求展现更为内在的精神，传达所绘物之精神，抑或是作者之精神。当作品上升到精神层面时，便生发出更多画外的内容,从而带给观者更多的感受和思考，给人更持久的美的享受。似好的音乐，听后“余音绕梁”，三日不绝；如好的诗歌，读后“满口余香”，韵味悠长。